中国画怎样画竹子

效果都可以的，不必要留白呀。大胆的把装饰性做到极致我在我们县做过一段时间的墙体彩绘，配上淡淡的怪石，尤其是国画上墙上家居，呵呵。个人浅见，主人一定不满意。切记比在宣纸上要淡三分，效果很容易出来，层次分明。墙体彩绘说到底是装饰，不可拘泥于什么什么画种。现在墙体彩绘还不成熟，笔墨活泼，因为你的功夫再好，而且用黑色的丙*也很容易就达到了水墨的效果。另。牡丹个人认为写意的搬到墙上很难，墙上画出来的一定不匀。感觉墙体彩绘和正规的创作是两回事。多用淡墨和淡彩，而你又不可能再描，在墙上很难，因为写意牡丹讲究色的层次，或是强调浓淡对比啥的，均匀就行了。配点淡淡的石，然后背景就用很淡的纯花青处理，希望能给你些许帮助，或风月。建议你用范本最好还是板桥那种*硬风格的，用宣纸好画。因为浓淡很好把握，所以好的经验也不多。很实的部分比在纸上画的时候虚三分，一笔下去。感觉竹子相当好画，比在宣纸上还简单一些。所以建议你用工笔。不必要讲究什么气韵生动。要尽量让你的画画干净。当然这要求你的笔墨水平要比较高，不管用油画或是国画的技法或是表现方式。主人家不会喜欢，而不是艺术

可以从这几个方面来看，    形体：西方绘画是用点，线，面等；也用形体和明暗，色彩结合的方式刻画，（比如油画）   而中国绘画的形体，是讲求以线造型，（如工笔）写意画也讲求以线造型，但更强调笔墨感．    明暗：西方绘画强调光影感，但中国绘画几乎不表现光，只表现物体本身的阴阳向背．    色彩：西方绘画注重固有色与环境色结合的方式，（可参照水粉作品看看）．中国绘画工笔作品抛弃对光源和环境的影响，只表现对物体本身的色彩．写意作品则追求”色不盖墨，墨不盖色”的法则．    空间：西方绘画对空间的刻画是用焦点*，成角*，空气*等等．中国绘画则用散点构图和意象空间．散点构图是没有定点，而是可以多视点*．（如千里江山图），意象空间就是留白的方式（如齐白石的虾，就从不画水）    材质和肌理：西方绘画则用笔触来表达作品的质感和肌理效果．中国绘画则利用毛笔皴擦点染功能和生宣纸渗透性强的特点来表现． 看楼主家是什么装修风格的，如果是中式风格，当然中国画更融合一点，如果是现代风格，西方画选择更佳。

运竹，又名富贵塔、步步高，主材为百合科、龙血树属的富贵竹，取富贵竹的茎秆为主材，将其剪切成不等长的茎段，将这些茎段内长外短、逐层递减排列，捆扎成三、五、七层宝塔状而成开运竹。它造型玲珑，既富有竹韵，又充满生机，并寓有富贵吉祥的含义，因而深受消费者欢迎。 　　富贵竹为多年生常绿草本，原产加那利*岛及非洲和亚洲热带地区，喜温暖、湿润、荫蔽的环境。生长适宜温度为20℃至30℃，南方夏秋高温多温季节对其生长十分有利。有一定的抗寒能力，冬季温度长时间低于10℃时，叶片会泛黄脱落。 　　作为家庭养护进行室内观赏，一般不在开运竹的培养液中加入营养成分，以防茎节腐烂，瓶插用水以隔夜的自来水或凉开水为好，可每隔10天至15天更换一次，夏天每5天至7天更换一次，但每次只需倒出一半，加入新的一半，不宜全部换去，否则根系会不适应。如果要使水养的开运竹继续生长，则可在培养液中，加入少量的*素和磷*二氢钾，浓度可控制在0.1％左右，每到半月更换一次，也可将肥液喷施于叶面上。 　　开运竹在运输过程中，处于干燥状态，一般不会出芽或生长。开运竹（富贵塔）是将富贵竹的叶片去除，选取中间大小比较均匀的一段经过人工捆扎做成一层层宝塔状而成。在选购时，应选芽苞整齐、造型美观的作品。如果所选材料的大小和生理状况一致，一般能整齐出芽，生长速度基本一致。如果出芽不齐，可采用修剪的方法适当控制。如果要使开运竹的新出芽生长更迅速一些，可采用营养液代替自来水培养。当新长出的富贵竹芽太长时可重新剪切。当其生长出较多的新芽时，应及早剪去病芽、染虫芽，否则会对整盆开运竹带来损害。对*弱芽、过旺芽等，在不影响开运竹整体造型和观赏的前提下，应给予适当的疏剪。 　　开运竹养护中最容易出现的问题是叶片发黄。开运付出现叶片发黄现象，主要有两个原因。一是水培过程中的水质问题，叶片发黄应首先检查水质，主要是看根系是否新鲜，如因水质原因导致根系腐烂，则应剪除烂根并换用凉开水。二是环境条件造成的叶片发黄，应该及时检查摆放场所的环境条件，如光线过暗、闷热不通风、空气干燥等，均会造成叶片发黄，但如果摆放的部位光线过强，同样也会造成叶片发黄。若为光线原因所致，可先将黄叶剪去，如有腐烂的根系也应一并剪去，再为其创造一个清洁、适温、凉*、湿润和有较好散射光的环境。如果是水质不法所导致的根系腐烂，可先剪去黄叶，症状不严重时，宜经常换水，将其摆放于通风而又阳光较为充足的位置，进行恢复性养护。症状严重时，应适当喷施农*或在水盘中加入少量*菌剂。有竹枝腐烂时，将开运竹的绑带松开，将腐烂的富贵竹挑选出来，将生长状况良好的材料重新绑扎。并注意管理使其逐步恢复。

中国书画作为中国文化精髓，给予中华民族以极其高尚的精神享受，笔精墨妙是人生一乐。在中国文化史上，绘画是一个重要组成部分，如西晋时期的文学家、书法家陆机所言：   “宣物莫大于言，存形莫善于画”中国画注重达意畅神与线条造型，以结构组织为主，色彩明暗辅，诗、书、印、款识与画相结合为艺术特征——“诗情画意”，中国书画在满足人们视觉享受的同时，更能启人智蕊，怡人心神。中国画强调“外师造化，中得心源”（   “外师造化，中得心源”这句话，出自唐朝的画家张璪，是中国绘画史上的不朽名句。简单的说，“造化”是指大自然，“心源”指的是内心的感悟。意指画家应以大自然为师，再结合内心的感悟，然后才可创作出好的作品。）也就是说艺术家通过对天地的热爱、观察、感悟，用“笔墨纸砚”作为载体，讴歌、抒发或宣泄自己的情怀。古往今来，无论是“士大夫”或今天的普通百姓，在面对美景时，总是想通过自己的画笔或相机，将其“美景”保留下来，再题上“四言八句”（   言简意赅的*）—诗情画意。这是中国文化的表现形式之一，也是中国的文化追求。国画艺术在长期的历史发展中形成了在世界上独树一帜的民族艺术，具有鲜明的特色和深厚的传统，这与我国的社会发展、民族欣赏习惯，以及传统的学术思想，有着密切关系。中国山水画是中国人所特有的一个文化概念。中国人的中国山水画不同于外国人的风景画，它不是再现自然景观，而是通过自然景观的表现，赋予自然以文化的内涵和审美的   观照。天人合一—人与自然的亲和，是中国山水画的基础。春夏秋冬，朝暮白昼，风霜雨雪，山水表现出了不同的面貌，体现了生命的意义。山水和人一样具有内在的生命运动和精神力量。中国人关于山水的观念，源于原始的宗教。对山灵的*，对水神的敬畏，人们在这种*和敬畏之中经历了漫长的历史过程。在神统治的社会里。一切神灵无不隐匿于山水之中。山水是神灵之母。山之高，水之深；山之广，水之渺，蕴涵了天体宇宙的无限奥妙。为了表示对山水神灵的*和敬畏，人们刻画山水神灵的形象，用于祭祝或瞻仰。神话或神画启发了中国山水画的*成形。中国山水画是画家对祖国大好河山无比崇敬、无限热爱的一种*，将这种*表现出来（记录下来），这种表现出来的作品是“源于生活而高于生活”的，是画家“心画”——对美好生活的提炼，用笔墨、色彩等绘画语言来描述“理想中的”青山绿水、小桥人家等等；若再题上诗句就是典型的“诗情画意”了。山水“质有而趣灵”（   质有，形质是有。趣灵，其趣向，趣味，则是灵。与道相通之谓灵。），因此，圣人、贤者、高士必有山川之游，轩猿、尧、孔无不如此。而崆峒、具茨、藐姑、箕首、大蒙等名山又演绎了千古佳话。“优游”是生活也是文化，他体现了中国人对自然的爱好，也表现了中国人特有的联结自然与文化的方式。眷念庐衡，契阔荆巫，山水的价值得到了历史的确认。 北宋时期的郭熙说道：“君子之所以爱夫山水者，其旨安在？丘园，养素所常处也；泉石，啸傲所常乐也；渔樵，隐逸所常适也；猿、鹤，飞鸣所常亲也。尘嚣缰锁，此人情所常厌也．．．烟霞仙圣，此人情所常愿而不得见也。然则林泉之志，烟霞之侣，梦寐在焉，耳目断绝，今得妙手郁然出之，不下堂筵，坐穷泉壑，猿声鸟啼依约在耳，山光水色晃漾夺目，此岂不快人意，实获我心哉，此世之所以贵夫画山之本意也。”（解释为：北宋时期的郭熙说道：“君子之所以非常喜爱山水，是因为什么呢？丘园，是我因为修身养性的好地方，我常常来此；泉石（泉石：指山水、泉石名胜之处），山泉飞泻、风啸森林的声音是很美妙的，所以我常常感到快乐呀；渔夫、樵夫他们自由自在的隐居在此，很快乐呀；猿猴、飞鹤它们与人们和谐地生活在一起，自由自在地飞翔、鸣叫，是人们感到亲密呀。尘世间的喧嚣和缰*的关系，象锁一样禁锢着我们的心灵，这是人们所非常讨厌的呀．．．云烟环绕、彩霞升起的仙境、圣地，是人们非常想去的地方，但是，却是看不见的呀。然而，人们向往山林、泉石的志向，追求与云烟环绕、霞光万道的仙境相伴，是梦寐以求的，这些是耳听不到，眼看不到的呀；现在幸亏有绘画高手，（他们）经过非常艰苦的训练才能画出中国山水画，（他们）没有时间去休息，甚至吃饭都是很简单，（他们）一天到晚坐在那里努力地画着泉石与沟壑，（他们画得非常形象）猿声鸟啼好像是在耳边响起，山光水色晃漾夺目，看了这些画怎么不让人赏心悦目、非常快乐呢？这些画让我称心如意呀，是世上非常难得的，因此，这才是画中国山水画的本意呀。”） 五代宋初的荆浩、关仝、董源、巨然、李成、范宽，完善了中国山水画的艺术表现，并把中国绘画中的中国山水画推向了一个历史的高峰。中国山水画在这一时期成为时代的主流   艺术。被称为“百代标程”的五代宋初中国山水画，在表现领域中将山水的物理和技巧结合起来，又提出了一个新的历史话题，传统中国山水画对精神和意境方面的关注经此而转向于技术层面——形式（诗情画意）。 “元四家”不仅完善了中国山水画的水墨技法，而且因为时代的特点，为中国山水画在审美范畴内增添了“逸”的概念。这种具有明显时代特点的审美时尚，虽然有审美之外的社会原因，但却因为这一契机在中国山水画意境的领域内创造了一个新的标准——“诗情画意”，后世则将此推为最高的准则。 中国山水画发展过程中的南北分宗，是一定历史时期的必然，也是中国山水画发展史上的重要事件。以新的技术标准和美学规范来疏导发展过程中的无序状况，回归历史的传统，实际上已经表现了中国山水画的衰落。董其昌对现世的感叹，说明了其中的许多道理。 明清两代在山水的精神和意境方面已无能为力，在宋元的峰巅面前人们只有景仰和赞叹。为了挽回历史的颓势，董其昌打出了“复古”的旗帜。在一个过于强调笔墨和程式的时尚中，画家们只有穷毕生的精力“血战宋元”，人们只有通过“临”、“仿”、“抚”、“摹”来标识自己的传统渊源，确立自己的艺术价值。“四王”在中国古代绘画史上为中国山水画创造的最后的辉煌，最终消失在晚清的暮色中；只有“诗情画意”这样最能体现中国文化精髓的艺术形式能够流芳百世。“诗情画意”是中国画的灵魂。世界是无穷尽的，生命是无穷尽的，艺术的境界也是无穷尽的。一切美的光是来自心灵的源泉：没有心灵的映射，是无所谓美的，山水成了诗人画家抒写情思的媒介。董其昌说得好：“诗以山川为境，山川亦以诗为境。”艺术家禀赋的诗心，映射着天地的诗心。山川大地是宇宙诗心的影现；画家诗人的心灵活跃，本身就是宇宙的创化，它的卷舒取舍，好似太虚片云，寒塘雁迹，空灵而自然！因此说：“诗情画意”是中国画的灵魂。 伟大的教育家蔡元培指出：“西画近建筑（理性的），中国画近文学（感性的）。”即：西方的绘画近似建筑一般的理性——写实性强；而中国画是近乎文学作品一般的个性强烈，艺术化的客观事物——来源于生活，而高于生活（是生活的提炼，是情感的宣泄）。因而，在其表现方式上产生了主观的、情感的方法。

画分三科                        中国画主要分为人物、花鸟、山水这几大类。表面上，中国画是以题材分为这几类，其实是用艺术表现一种观念和思想。所谓“画分三科”，即概括了宇宙和人生的三个方面：人物画所表现的是人类社会，人与人的关系;山水画所表现的是人与自然的关系，将人与自然融为一体;花鸟画则是表现大自然的各种生命，与人和谐相处。中国画之所以分为人物、花鸟、山水这几大类，其实是由艺术升华的哲学思考，三者之合构成了宇宙的整体，相得益彰，是艺术之为艺术的真谛所在。                     中国画按其题材和表现对象大致可分为人物画、山水画、花鸟画、界画、花卉、瓜果、翎毛、走*、虫鱼等几大类;按表现方法有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。主要运用线条和墨色的变化，以钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等表现手法，来描绘物象与经营位置;取景布局，视野宽广，不拘泥于焦点*;按表现形式有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式，辅以传统的装裱工艺装潢之。按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等

中国画的皴法：1、分染：工笔画绘制中最重要的染色技巧。一支笔蘸色，另一支笔蘸水，将色彩拖染开去，形成色彩由浓到淡的渐变效果。2、统染：在绘制工笔的过程中，根据画面明暗处理的需要，往往需要几片叶子、几片花瓣统一渲染，强调整体的明暗与色彩体系，称为统染。3、罩染：在已经着色的画面上重新罩上一层色彩并局部渲染。4、提染：染色接近完工时用某种色小面积、局部提亮或者加深画面称为提染。5、烘染：在所描绘的物体周围淡淡的渲染底色用来衬托或掩映物体。6、点染：用接近写意的笔法，一笔蘸上深浅不同的色彩在画面上连点带染，取灵动之意。处理背景或小型花卉的时候时常用到方法。7、斡染：将一块色彩向四周染开。画仕女脸颊的红晕时即是采用此法，工笔牡丹的绘制中也会用到。8、醒染：在罩色过后色彩略显发闷的画面上用淡淡的深色重新分染，以引出底色部分，重新使画面醒目。9、复勒：设色完成以后，用墨线或色线顺着物体的边缘重新勾勒一次。10、水线：工笔画常用手法之一。工笔设色中遇到物体的边缘或者线条的时候，经常会采用留一道亮边的手法来区分局部色彩或用来保留线条或用来体现物体的厚薄程度，这条亮边就称之为水线。同时，保留水线也能较好的体现出工笔国画所独有的装饰趣味。11、立粉法：点花蕊的重要手法之一。长锋笔饱蘸粉黄（藤黄＋白色），也可略调一点胶进去，色彩的浓度要非常大，同时竖立笔中锋，缓慢点出蕊的形状，湿润时色彩会高出纸面1毫米左右，等待干了就会形成两边高中间凹的视觉效果，很有立体感。