中国画

效果都可以的，不必要留白呀。大胆的把装饰性做到极致我在我们县做过一段时间的墙体彩绘，配上淡淡的怪石，尤其是国画上墙上家居，呵呵。个人浅见，主人一定不满意。切记比在宣纸上要淡三分，效果很容易出来，层次分明。墙体彩绘说到底是装饰，不可拘泥于什么什么画种。现在墙体彩绘还不成熟，笔墨活泼，因为你的功夫再好，而且用黑色的丙*也很容易就达到了水墨的效果。另。牡丹个人认为写意的搬到墙上很难，墙上画出来的一定不匀。感觉墙体彩绘和正规的创作是两回事。多用淡墨和淡彩，而你又不可能再描，在墙上很难，因为写意牡丹讲究色的层次，或是强调浓淡对比啥的，均匀就行了。配点淡淡的石，然后背景就用很淡的纯花青处理，希望能给你些许帮助，或风月。建议你用范本最好还是板桥那种*硬风格的，用宣纸好画。因为浓淡很好把握，所以好的经验也不多。很实的部分比在纸上画的时候虚三分，一笔下去。感觉竹子相当好画，比在宣纸上还简单一些。所以建议你用工笔。不必要讲究什么气韵生动。要尽量让你的画画干净。当然这要求你的笔墨水平要比较高，不管用油画或是国画的技法或是表现方式。主人家不会喜欢，而不是艺术

画分三科                        中国画主要分为人物、花鸟、山水这几大类。表面上，中国画是以题材分为这几类，其实是用艺术表现一种观念和思想。所谓“画分三科”，即概括了宇宙和人生的三个方面：人物画所表现的是人类社会，人与人的关系;山水画所表现的是人与自然的关系，将人与自然融为一体;花鸟画则是表现大自然的各种生命，与人和谐相处。中国画之所以分为人物、花鸟、山水这几大类，其实是由艺术升华的哲学思考，三者之合构成了宇宙的整体，相得益彰，是艺术之为艺术的真谛所在。                     中国画按其题材和表现对象大致可分为人物画、山水画、花鸟画、界画、花卉、瓜果、翎毛、走*、虫鱼等几大类;按表现方法有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。主要运用线条和墨色的变化，以钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等表现手法，来描绘物象与经营位置;取景布局，视野宽广，不拘泥于焦点*;按表现形式有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式，辅以传统的装裱工艺装潢之。按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等

中国画的皴法：1、分染：工笔画绘制中最重要的染色技巧。一支笔蘸色，另一支笔蘸水，将色彩拖染开去，形成色彩由浓到淡的渐变效果。2、统染：在绘制工笔的过程中，根据画面明暗处理的需要，往往需要几片叶子、几片花瓣统一渲染，强调整体的明暗与色彩体系，称为统染。3、罩染：在已经着色的画面上重新罩上一层色彩并局部渲染。4、提染：染色接近完工时用某种色小面积、局部提亮或者加深画面称为提染。5、烘染：在所描绘的物体周围淡淡的渲染底色用来衬托或掩映物体。6、点染：用接近写意的笔法，一笔蘸上深浅不同的色彩在画面上连点带染，取灵动之意。处理背景或小型花卉的时候时常用到方法。7、斡染：将一块色彩向四周染开。画仕女脸颊的红晕时即是采用此法，工笔牡丹的绘制中也会用到。8、醒染：在罩色过后色彩略显发闷的画面上用淡淡的深色重新分染，以引出底色部分，重新使画面醒目。9、复勒：设色完成以后，用墨线或色线顺着物体的边缘重新勾勒一次。10、水线：工笔画常用手法之一。工笔设色中遇到物体的边缘或者线条的时候，经常会采用留一道亮边的手法来区分局部色彩或用来保留线条或用来体现物体的厚薄程度，这条亮边就称之为水线。同时，保留水线也能较好的体现出工笔国画所独有的装饰趣味。11、立粉法：点花蕊的重要手法之一。长锋笔饱蘸粉黄（藤黄＋白色），也可略调一点胶进去，色彩的浓度要非常大，同时竖立笔中锋，缓慢点出蕊的形状，湿润时色彩会高出纸面1毫米左右，等待干了就会形成两边高中间凹的视觉效果，很有立体感。

1.《松荫会琴图》      赵孟頫         元代       此图风格承北宋青绿山水画风。石边水畔，古松虬曲偃蹇。高士抚琴动*，知音端坐聆听，悠然神会。侍童侧立，神态专注。远山坡势平缓，渐入烟霭。图以青绿设色，坡脚敷以赭石。右上冯子振跋：“……虞伯士过访，携示赵子昂会琴图，相与嗟赏……”图中部右侧有“郭衢附鉴定”款并跋。 中国古代著名国画赏析            《松荫会琴图》      赵孟頫         元代      此图风格承北宋青绿山水画风。石边水畔，古松虬曲偃蹇。高士抚琴动*，知音端坐聆听，悠然神会。侍童侧立，神态专注。远山坡势平缓，渐入烟霭。图以青绿设色，坡脚敷以赭石。右上冯子振跋：“……虞伯士过访，携示赵子昂会琴图，相与嗟赏……”图中部右侧有“郭衢附鉴定”款并跋。          2.《浴马图》部分      赵孟頫      元代 此卷画溪水一湾，清澈透明，梧桐垂柳，绿荫成趣，骏马数匹，马官九人。画中马的姿态各异，神态生动，有的立于水中，有的饮水吃草，有的昂首嘶鸣，有的卧立顾盼。马官们牵马临溪，或冲浴马身，或在岸边小憩。人物、鞍马分别施以不同色彩，丰富浓郁而又清丽，做到了色不掩笔。用笔精细，色调浓润，风格清新秀丽。是代表了赵孟顺人物鞍马画中的典型风貌，是幅形神兼备、妙逸并具、风格高雅的艺术精品. 3.《秋舸清啸图》      盛   懋         元代             图绘远景山峦平缓，近岸陂陀上树木列植，枝叶茂盛。一艘篷舟缓缓驶来，舟首一位逸士正仰天长啸，身前置放酒皿瓷碗，身后古玩横陈，船尾一童子摇橹。从此逸士的形象看，可能是魏晋时“嗜酒能啸”并善鼓琴的“竹林七贤”之一阮籍的写照。画风与盛氏至正辛卯(1   351年)所作的《沧江横琴图》颇为一致。 4.《幽篁秀石图》      顾   安         元代       图中湖石危立，玲珑剔透；石后丛篁林立，竹竿*劲，竹叶上仰，绰约多姿；更有稚笋数双，穿插丛竹间，一派春意盎然之景色。湖石带勾带染，造型隽美，富有立体感和装饰味。笔法道劲，浓淡相宜，为顾氏墨竹画之代表作。自识“东淮顾安定之”。 5.《葛稚川移居图》            王   蒙            元末                         此图表现葛洪携子侄徙家于罗浮山炼丹的*。画中重山复岭，飞瀑流泉，以细笔勾皴，略带小斧劈；丹柯碧树，用双钩填色；人物虽小但勾描工中带拙，形神兼备。山石纯用水墨，仅树木、人物、屋宇处施以淡赭、花青和红色，是王蒙山水画又一风格之杰作。画右上自识“葛稚川移居图。蒙昔年与日章画此图，      已数年矣。今重观之，始题其上。王叔明识。”

你好，中国画造型特点如下： 1、重神似，在造型上提倡不拘于形似甚至“妙在似与不似之间”。中国画的形象塑造因服从于为对象传神也为作者抒情达意的要求，所以敢于舍弃对象形态的非本质内容，敢于为强化而进行恰到好处的艺术夸张与艺术幻化，善于抓住与对象本质特征关系最直接的骨法结构，并以写实的或秩序化又灵活组织的程式手段加以表现，同时也为了区别主次，给人以美的享受，把图案化装饰化的手法与应物象形的手段巧妙地结合。 2、构图布局不拘于特定的时间与空间。事物的一切表现寄寓于空间，中国画的人物山水花鸟的现实依据也存在于一定的时空中，但中国画对时空的处理是非常灵活的。它表现空间的办法，在山水画中不拘于焦点*，而是使深远、高远、平远，后来还有洞远法相互结合。在人物花鸟画中，对空间环境的取舍则愈发自由，或按主题需要有弃有取，或完全省略环境描写，大胆利用空白，突出主体。对于时间的处理，一方面注重某些画幅必要的四时朝暮和风雨晦明的表现，另一方面遂有意超越瞬间，不仅四时花草同现于一图，且在描绘人物*的长卷画或壁画中把发生在不同时间的内容绘于同一画面，靠画树、石或道具的分隔与联系，成功地实现了内容丰富首尾相接的创作意图。中国画的构图除紧密结合所画内容的“经营位置”之外，还讲求平面布局中的色、线、形的变化对比与呼应，虚实、疏密、开合、起伏、繁简、聚散的相生相应。 3、讲求笔墨。这里的笔墨是关于状物与传情达意的艺术技巧。中国书法笔迹形态及其组织的相对*的审美价值及其表现能力，造成了中国画把笔墨特别是笔法看成了最重要的艺术技巧。它的作用之一是以不同的笔法墨法描写可视形象，突出其骨法、质地、光暗。它的作用之二是类似书法的笔法组织传达画家的情意，体现画家的个人风格。基本上不使用墨的没骨法，也仍然是以讲求笔法形态的技巧状物抒情的，因此即使以色代墨，却仍然有笔。中国画虽多水墨画，但并不排斥色彩，并有水墨淡色与重着色的画法。在墨与色的关系上，一种是以墨为主，以色为辅；另一种是墨不碍色，色不碍墨；还有一种以色为主，但不使用一定光源下形成的变化多端的条件色，而是“随类赋彩”，用固有色或经画家归纳夸张了的假定色进行描绘，尤喜在强烈对比中借黑、白、金、银取得对比中的协调。 4、以画为主，并实现诗文、书法、绘画以至印章的有机结合。它的形成过程，首先是提倡画中有诗，亦即追求画像诗一样的精练抒情而有韵律，也像诗一样的善于创造意境而达到有画外意。后又因工具材料的相同与表现手段的不无相近，提倡书画同法，要求绘画中的笔法不但有效地描绘物象，同时也能以相对*的笔法组合传达一定的情感，表达作者的个性。再后又把开始仅用以辅助签字落款的用印，在其*内容与使用部位上加以扩展，成为补充或点醒画意，在构图上把书法绘画有机结合起来，使中国画成为以画为主体并有诗、书、印相辅相成的小型综合艺术。 中国画反映在创作方法上的最主要的特点还有“外师造化，中得心源”，及其对画家画外修养的高度重视。所谓“外师造化，中得心源”，即是从根本上讲绘画要反映自然，反映现实，但这里是反映而非摹写，所以要极大程度地发挥画家的主观能动性在创作中的主导作用。所谓画外修养，即是不应满足于仅画所见，而要尽所知、所想。这所知所想，除去“所览众多”之外，还离不开对整个社会意识的融会贯通与个人品格情*的锤炼。

中国画是在古老特殊的文明环境中产生的，绘画的起源直溯距今七八千年之前的新石器时代。原始制陶人画在新石器时代彩陶上的纹绘是最古老的绘画创造。    　　大千世界，芸芸丛生，唯独人类这个拥有语言和思维灵性的“   动物”   才真正懂得美，并由此而产生对美的需求和创造。美是人类探索的永恒主题，就形成了中国画。中国绘画的萌芽、发展到成熟经历了一个相当漫长的历史过程，他的源头可以追溯到遥远的史前时代。起初表现的仅是原始朴素的理想和生活，以及为上层社会政教服务，同时也反映各时代跌宕的社会风貌与世俗的生活图景。在这漫长的历程中，直到人类在劳动过程中创造了实用器物和建筑物，并在上面作装饰布置的时候，才注意到对于画面的利用，人们在上面所绘制的装饰图象，便开创了最初具有画面构图意识的先河。   这种以创造美为基本特征和主要使命的艺术，它与人类的产生、社会的形成和发展是同步的。早在三黄五帝的时候，就流传“   史皇作图”   、“   髁手作画”   的佳语，早将人类带进了一个更加复杂的逻辑思维和形象思维交融的世界，光辉灿烂的中国绘画史就从这里浓墨重彩的写下了闪烁光彩的第一章。    　　中国绘画历史源远流长，见于史料上记载的以伏羲氏画八卦、黄帝画*、舜*螺氏绘影像为最早。早期的绘画经匠人的再造，刻在料上、青铜器上及绘在陶器上。直至汉代纸张发明后，画家用毛笔在纸上绘画，才逐渐演变成现在的中国画。    　　中国绘画艺术在历史的长河中，就是这样的沿传相续，嬗变演进，形成了它的传统。这种传统风格和民族的审美需求，又在时代的前进中不断地得到充实、突破和创新，并又孕育和造就着新的风格的出现，成为华夏艺苑中的瑰宝，也是世界美术花园中一朵光彩夺目的奇葩。世界级的绘画大师毕加索说“   真正的艺术在东方”   。中国画经过数千年的发展，不仅形成了鲜明的民族艺术风格，而且流派纷呈，高手林立，古老卓越、博大精深的中国绘画成为世界艺术之林的一面旗帜，一枝独秀。    　　三国时期（220-265）是中国画历史上的重要发展阶段。初期的绘画题材以佛像画和道教画为主流。到了唐朝，渐渐地脱离了人物画的山水画，取代了释道画成为绘画主要题材。由于唐诗的成就和影响，绘画重情趣求意境，文人士大夫追求的抒情性空前突出，是文人画兴起的开端。五代的山水画不但改变了晋唐时期空勾无皴的初级程式，并且有了皴染完备的山水派系。北宋的山水画风沿波接，在五代的基础上更趋成熟。南宋以后蓬勃发展的江南经济促进了绘画艺术的繁荣。“   南宋四家”   的崛起，成为当时画坛的主流。元代文人画派生而来，水墨山水特别兴盛。明代初期，宫“   院画”   兴盛，画风继承两宋“   院体”   。明嘉靖至万历年以后，在江南出现了“   吴门画派”   ，后期相继出现了多种画派。清代初期的画坛，“   四王”   受到皇室的扶植。但在江南出现了“   清初四僧”   和“   金陵八家”   为代表的一批反正统派的画家，他们在绘画艺术上反“   四王”   的临摹之风，提倡艺术的创造意义给后世绘画发展带来巨大影响。清代中期“   扬州画派”   的形成和晚清“   海上画坛”   ，风格纷呈，旗鼓称雄的大家如俊彩星驰，济济画坛。他们敢于标新立异的绘画探索精神和追求令人寻味的笔墨情趣，被现代著名画家齐白石、徐悲鸿、潘天寿等人所接受。    　　发展和演变分以下几个时期:：先秦两汉时期民族绘画风格的初步形成；魏晋南北朝时期绘画的发展阶段；绘画趋向全盛的隋唐五代时期；   蓬勃兴盛的二宋时期绘画；以笔墨情趣为主流的元代绘画；   明、清时期绘画流派的涌现；继承与发扬并存的近现代绘画。    　　中国画的发展到今天，按照范围来分；分为人物画、花鸟画、山水画。笔墨纸砚是中国画的工具，中国画的技法分为工笔和写意，中国画的线条美、构图美、章法美，所表达出来的意境美、形式美、艺术美。

一.　　国画分类概况 1.古代国画分科之说法，画分十门。中国画的分科，唐代张彦远《历代名画记》分六门，即人物、屋宇、山水、鞍马、鬼神、花鸟等。北宋《宣和画谱》分十门，即道释、人物、宫室、番族、龙鱼、山水、鸟*、花木、墨竹、果蔬等。南宋邓椿《画继》分八类（门），即仙佛鬼神、人物传写、山水林石、花竹翎毛、畜*虫鱼、屋木舟车、蔬果*草、小景杂画等。元代有“画家十三科”，但内容相当庞杂，作为分类标准不适宜。 2.当代国画分类之说法 当代国画在世界美术领域中自成体系。按其题材和表现对象大致可分为人物画、山水画、花鸟画、界画、花卉、瓜果、翎毛、走*、虫鱼等画科；按表现方法有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。主要运用线条和墨色的变化，以钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等表现手法，来描绘物象与经营位置；取景布局，视野宽广，不拘泥于焦点*；按表现形式有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式，辅以传统的装裱工艺装潢之。按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷（又称手卷）、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。 二.　基本简介： 国画，又称“中国画”，古时称为丹青，我国传统绘画（区别于“西洋画”）。主要指以毛笔、墨、国画颜料等画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。国画强调“外师造化，中得心源”，要求“意存笔先，画尽意在”，强调融化物我，创制意境，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。其重神似不重形似，重意境不重场景的一中画。

山水      欣赏中国山水画，先要了解国画制作者的胸襟意象。画家把名山大川的特色，先储于心，再形于手，所以不以“肖形”为佳，而以“通意”为主。一树一石、一台一亭，皆可代表画家的的意景。不必斤斤计较*比例等显示的问题。      动物      动物种类繁多，大小不一，狮、虎、猫、犬可称为走*，各种鱼类可称为游鱼，蝉、蝶、蜻蜓称为草虫，各种雀鸟称为翎毛。动物可以归到花鸟画。      人物      可分为古今两类:古装人物，或者是历代英雄名士为一类;现代服装，或者模特儿写生为一类。由于人物要有动作、表情，所以人物画是比较深奥的制作。   根据制作技巧、笔法，国画可以分为工笔、写意和兼工带写。      工笔      用细致的笔法制作，工笔画着重线条美，一丝不苟，是工笔画的特色。      写意      心灵感受、笔随意走   ，视为意笔，写意画不重视线条，重视意象，与工笔的精细背道而驰。生动往往胜于前者。      根据画面内容又可以分为传统绘画和现代绘画。      传统      中国画画龄以千年计，形成了一套笔法、构图法   、皴法等固定的模式，所以具有此种风格的国画称为传统绘画。   国画分类依据   中国画的“画分三科”，人物、花鸟、山水，表面上是以题材分类，其实是用艺术表现一种观念和思想。所谓“画分三科”，即概括了宇宙和人生的三个方面:人物画所表现的是人类社会，人与人的关系;山水画所表现的是人与自然的关系，将人与自然融为一体;花鸟画则是表现大自然的各种生命，与人和谐相处。三者之合构成了宇宙的整体，相得益彰。这是由艺术升华的哲学思考，是艺术之为艺术的真谛所在。   国画分类概况   古代国画分科之说法   画分十门。中国画的分科，唐代张彦远《历代名画记》分六门，即人物、屋宇、山水、鞍马、鬼神、花鸟等。北宋《宣和画谱》分十门，即道释、人物、宫室、番族、龙鱼、山水、鸟*、花木、墨竹、果蔬等。南宋邓椿《画继》分八类(门)，即仙佛鬼神、人物传写、山水林石、花竹翎毛、畜*虫鱼、屋木舟车、蔬果*草、小景杂画等。元代有“画家十三科”，但内容相当庞杂，作为分类标准不适宜。   当代国画分类之说法   当代国画在世界美术领域中自成体系。按其题材和表现对象大致可分为人物画、山水画、花鸟画、界画、花   国画(7张)卉、瓜果、翎毛、走*、虫鱼等画科;按表现方法有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。主要运用线条和墨色的变化，以钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等表现手法，来描绘物象与经营位置;取景布局，视野宽广，不拘泥于焦点*;按表现形式有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式，辅以传统的装裱工艺装潢之。按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等;中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷(又称手卷)、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。   国画代表种类   人物画      (1)人物画的历史进程:   以人物形象为主体的绘画之通称。我国的人物画，历史悠久。据记载，商、周时期，已经有壁画。东晋时的顾恺之专尚画人物画，在我国绘画是上第一个明确提出“以形写神“的主张。唐代闫立本也擅长人物画。还有吴道子、韩斡等等。都为人物画做出了卓越的贡献。唐以后画人物画的画家就更多了，历代都有。   隋强人物画‘信念‘   中国的人物画，是中国画中的一大画科，出现较山水画、花鸟画等为早;大体分为道释画、仕女画、肖像画、风俗画、历史*画等。人物画力求人物个性刻画得*真传神，气韵生动、形神兼备。其传神之法，常把对人物性格的表现，寓于环境、气氛、身段和动态的渲染之中。故中国画论上又称人物画为“传神”。历代著名人物画有东晋顾恺之的《洛神赋图》卷，唐代韩滉的《文苑图》，五代南唐顾闳中的《韩熙载夜宴图》，北宋李公麟的《维摩诘像》，南宋李唐的《采薇图》、梁楷的《李白行吟图》，元代王绎的《杨竹西小像》，明代仇英的《列女图》卷、曾鲸的《侯峒嶒像》，清代任伯年的《高邕之像》，以及现代徐悲鸿的《泰戈尔像》等。在现代，更强调“师法化”，还吸取了西洋技法，在造型和布色上有所发展。      (2)人物画的画法和表现方法:   要画好人物画，除了继承传统外，还必须了解和研究人体的基本形体、比例、解剖结构，以及人体运动的变化规律，方能准确的塑造和表现人物的形和神。   画人物有几种表现方法，各有所长，如:白描法，勾填法，泼墨法，勾染法。      山水画      (1)山水画的历史进程:   描写山川自然景色为主体的绘画。山水画(俗称风景画、风光画或彩墨画)，是专门的艺术学科，历史悠久。山水画在魏晋、南北朝已逐渐发展，但仍附属于人物画，作为背景的居多;隋唐始*，如展子虔的设色山水，李思训的金碧山水，王维的水墨山水，王洽的泼墨山水等;五代、北宋山水画大兴，作者纷起，如荆浩、关仝、李成、董源、巨然、范宽、许道宁、燕文贵、宋迪、王诜、米芾、米友仁的水墨山水，王希孟、赵伯驹、赵伯骕的青绿山水，南北竞辉，形成南北宗两大派系，达到高峰。自唐代以来，每一时期，都有著名画家，专尚从事山水画的创作。尽管他们的身世、素养、学派、方法等不同;但是，都能够用过笔墨、色彩、技巧，灵活经营，认真描绘，使自然风光之美，欣然跃于纸上，其脉相同，雄伟壮观，气韵清逸。元代山水画趋向写意，以虚带实，侧重笔墨神韵，开创新风;明清及近代，续有发展，亦出新貌。表现上讲究经营位置和表达意境。传统分法有水墨、青绿、金碧、没骨、浅绛、淡彩等形式。      (2)山水画的组成:   山水画的组成包括:山、水、石、树、房、屋、楼台、舟车、桥梁、风、雨、阴、晴，雪、日、云、雾及春、夏、秋、冬气候特征等。      (3)山水画主要代表:   ◆   青绿山水   山水画的一种。用矿物质石青、石绿作为主色的山水画。有大青绿、小青绿之分。前者多钩廓，少皴笔，着色浓重，装饰性强;后者是在水墨淡彩的基础上薄罩青绿。清代张庚说:“画，绘事也，古来无不设色，且多青绿。”元代汤垕说:“李思训著色山水，用金碧辉映，自为一家法。”南宋有二赵(伯驹、伯骕)，以擅作青绿山水著称。中国的山水画，先有设色，后有水墨。设色画中先有重色，后来才有淡彩。   ◆   浅绛山水   蔡彦才浅绛山水画   山水画的一种。在水墨钩勒皴染的基础上，敷设以赭石为主色的淡彩山水画。《芥子园画传》说:“黄公望皴，仿虞山石面，色善用赭石，浅浅施之，有时再以赭笔钩出大概。王蒙复以赭石和藤黄着山水，其山头喜蓬蓬松松画草，再以赭色钧出，时而竟不着色，只以赭石着山水中人面及松皮而已。”这种设色特点，始于五代董源，盛于元代黄公望，亦称“吴装”山水。   ◆   金碧山水   中国画颜料中的泥金、石青和石绿。凡用这三种颜料作为主色的山水画，称“金碧山水”，比“青绿山水”多泥金一色。泥金一般用于钩染山廓、石纹、坡脚、沙嘴、彩霞，以及宫室、楼阁等建筑物。但明代唐志契《绘事微言》中另持一说:“盖金碧者:石青石绿也，即青绿山水之谓也。后人不察，加以泥金谓之金笔山水，夫以金碧之名而易以金笔之名可笑也!”   水墨画      中国画的一种。指纯用水墨所作之画。基本要素有三:单纯性、象征性、自然性。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云:“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提出“水墨为上”，后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。   院体画   简称“院体”、“院画”，中国画的一种。一般指宋代翰林图画院及其后*画家比较工致一路的绘画。亦有专指南宋画院作品，或泛指非*画家而效法南宋画院风格之作。这类作品为迎合帝王*需要，多以花鸟、山水，*生活及宗教内容为题材，作画讲究法度，重视形神兼备，风格华丽细腻。因时代好尚和画家擅长有异，故画风不尽相同而各具特点。鲁迅说:“宋的院画，萎靡柔媚之处当舍，周密不苟之处是可取的。”(《且介亭杂文·论“旧形式的采用”》)   以张铨、江宏伟、贾广键、赵蓓欣、喻慧等为代表的现代中青年画家为现代院体画的发展作出了一定的贡献。      工笔画      在唐代已盛行起来。所以能取得卓越的艺术成就的原因，一方面绘画技法日臻成熟，另一方面也取决于绘画的材料改进。工笔画须画在经过胶矾*过的绢或宣纸上。初唐时期因绢料的改善而对工笔画的发展起到了一定的推动作用，据米芾《画史》所载:“古画至唐初皆生绢，至吴生、周、韩斡，后来皆以热汤半熟，入粉捶如银板，故作人物，精彩入笔。”   万伟民工笔画   文人画   亦称“士夫画”。中国画的一种。泛指中国封建社会中文人、士大夫所作之画。以别于民间画工和*画院职业画家的绘画，北宋苏轼提出“士夫画”，明代董其昌称道“文人之画”，以唐代王维为其创始者，并目为南宗之祖(参见“南北宗”)。但旧时也往往借以抬高士大夫阶层的绘画艺术，鄙视民间画工及院体画家。唐代张彦远在《历代名画记》曾说:“自古善画者，莫非衣冠贵胄，逸士高人，非闾阎之所能为也。”此说影响甚久。近代陈衡恪则认为“文人画有四个要素:人品、学问、才情和思想，具此四者，乃能完善。”通常“文人画”多取材于山水、花鸟、梅兰竹菊和木石等，借以发抒“性灵”或个人抱负，间亦寓有对民族压迫或对腐朽政治的愤懑之情。他们标举“士气”、“逸品”，崇尚品藻，讲求笔墨情趣，脱略形似，强调神韵，很重视文学、书法修养和画中意境的缔造。姚茫父的《中国文人画之研究·序》曾有很高的品评:“唐王右丞(维)援诗入画，然后趣由笔生，法随意转，言不必宫商而邱山皆韵，义不必比兴而草木成吟。”      *      水墨*，即构思上具有*的特点，题材广泛，或讽刺或赞美，但表现手法上运用中国传统水墨画技巧，兼具其雅致。较之一般的*，水墨*更具有观赏价值。它的出现   扩展了*的表现、观赏领域与品种。中国的水墨*也涌现了很多优秀作者，如丰子恺、华君武、黄永玉、韩羽、方成、王成喜、朱宣咸、梅湘涵、毕克官、徐鹏飞、蒋文兵、何韦、常铁钧、徐进、白善诚、等人，同时也涌现了许多优秀作品。      花鸟画      (1)花鸟画的历史进程   在魏晋南北朝之前，花鸟作为中国艺术的表现对象，一直是以图案纹饰的方式出现在陶器、铜器之上。那时候的花草、禽鸟和一些动物具有神秘的意义，有着复杂的社会意蕴。人们图绘它并不是在艺术范围内的表现，而是通过它们传达社会的信仰和君主的意志，艺术的形式只是服从于内容的需要。   人类早期对花鸟的关注，是孕育花鸟画的温床。史书记载，魏晋南北朝时期已有不少*的花鸟画作品，其中有顾恺之的《凫雁水鸟图》、史道硕的《鹅图》、陆探微的《半鹅图》、顾景秀的《蝉雀图》、袁倩的《苍梧图》、丁光的《蝉雀图》、萧绎的《鹿图》，如此等等可以说明这一时期的花鸟画已经有了一定的规模。虽然现在看不到这些原作，但是通过其他人物画的背景可以了解到当时的花鸟画已具有相当高的水平，如顾恺之《洛神赋图》中的飞鸟等。   这一时期的花鸟画较多的是画一些禽鸟和动物，因为它们往往和神话有一定的联系，有的甚至是神话中的主角。如为王母捣*的玉兔，太阳中的金乌，月宫中的蟾蜍，以及代表四个方位的青龙、白虎、朱雀、玄武等。一般说花鸟画在唐代*成科，属于花鸟范畴的鞍马在这一时期已经有了较高的艺术成就，现在所能见到的韩干的《照夜白》、韩滉的《五牛图》以及传为戴嵩的《半牛图》等，都表明了这一题材所具有的较高的艺术水准。   而记载中曹霸、陈闳的鞍马，冯绍正的画*，薛稷的画鹤，韦偃的画龙，边鸾、滕昌佑、刁光胤的花鸟，孙位的画松竹，不仅表现了强大的阵容，而且各自都有杰作。如薛稷画鹤，杜甫有诗赞曰:“薛公十一鹤，皆写青田真。画色久*尽，苍然犹出尘。低昂各有意，磊落似长人。”   潘天寿国画   (2)花鸟画的画法   花鸟画的画法大致可分为二类:工笔花鸟;写意花鸟。昆虫亦有工、写之分。表现的方法有:白描(又称双勾)、勾勒、勾填、没骨、泼墨等等。他和山水一样，有悠久的历史。花鸟画的学习步骤不外乎临摹、写生、创作。表现的主题有:竹、兰、梅、菊、牡丹、荷花等;禽鸟有:鸡、鹅、鸭、仙鹤、杜鹃、翠鸟、喜鹊、*;昆虫有:鹦鹉、蝴蝶、丰、蜻蜓、蝉，杂虫有:蝈蝈、蟋蟀、蚂蚁、蜗牛、*等。   新文人画   新文人画，即“中国新文人画”指20世纪80年代末90年代初中国艺术界出现的一种文化现象。

　　目前，中国画在国外市场上价格不如西方画的百分之一，甚至千分之一都不到，这是事实。于是有人就怀疑中国画不行了。继之主张用西方画改造中国画，甚至要把宣纸笔墨都去掉。前时期，美术界人士又是开会，又是讲演，又是出文集，大声疾呼，多方奔走，要中国画走向世界。弦外之音：中国画水平太差，不足和西方画并列。 　　实际上，中国画一直处于世界艺坛的前端和领导位置，而且举世公认。我所说的举世公认，是指内行，即大艺术家和大评论家，而不是不通艺术的商人，十万个外行，一百万个商人的话也抵不上一句内行的话有力。当然，中国画的真正内行是中国的评论家。中国评论家的话我就不再列举了。因为中国人说自己的艺术伟大、超过了西方艺术，只能代表中国人的观点，范围仍在中国，是否能代表世界上其他*人的观点，尚不得而知。西方艺术家和评论家如果也承认中国画的伟大和崇高地位、甚至也向中国艺术靠近，才能确认中国画在世界艺术上的领导地位。当然，即使西方画家不承认中国画的伟大，也无损于中国画的伟大。只是那样就不能说中国画在世界上有重大的影响了。

字画装裱材料可分为两类，基本装裱材料和装潢材料。 一、基本装裱材料是指水、纸、浆糊。 水指清水，在托绢、绫布时还有浸泡颜料与胶用水时会用到。 纸，用的最多的是生宣纸，主要用作托画心，托绫绢和配被覆等用。 浆糊，书画托裱时用的粘合剂，用好面粉或是去掉筋麸皮的淀粉打成，打浆时要放入适量的明矾，能够在以后防虫蛀。 二、装潢材料有锦、绫、绢及其他的辅助材料。 锦是多为二方或四方连续图案的丝织品。 绫，织有各种图案的蚕丝织品，多用于装裱天头、地头、隔水等。 绢，是平纹蚕丝织品，有粗细之分。 辅助材料有天杆、地轴、轴头、胶、乳胶、明矾、颜料、丝绳、丝带、骨别子等。其中天杆、地轴要求平直，地轴一定要有一定的分量；轴头用在轴式和手卷的装裱中，既有方便悬挂的作用又有一定装饰作用，在选择时要兼顾质量跟美观性； 裱画作边子用的，有“仿古宋锦”一种，用在裱镜心上，十分古雅，普通都用在天地杆的堵头上，或做锦匣用，都是很好的。做裱画心子地子用的，以绫和纸为最多，用绢的较少。 书画的装裱，需要的材料以及设备，都是比较专业的东西。

中国画基本技法，从山水画中可以看出绘画的感觉就是一副全景式的绢本水墨画，将崇山峻岭、飞瀑流泉、屋宇庭院、行人小船都巧妙地组织在一个完整的画面里，构图上错落有致、变化丰富，形成一个全景山水的壮观场面。中国画在构图时，可以将不同时间和不同空间的事物安排在一个画面中，犹如一组运动镜头把不同的场面集中到一起。例如：五代南唐画家顾闳中的不朽名作《韩熙载夜宴图》，就是以五段连续的画面来构成一幅长卷，韩熙载这个人物在不同的画面中多次出现。又如，北宋画家张择端的著名风俗画《清明上河图》，更是以散点**法将汴河*数十里繁华景象组织成一个完整的画面，通过这中全景式的构图展现北宋汴京从成交农村到城内街市的热闹情景。中国画在构图方式上的这一特点，植根于情景交融的美学追求和高度概括的表现手法。因此，中国画不受空间和时间的限制，非常自由与灵活，在山水画中可以“以大现小”，在花鸟画中可以“以小现大”，用简略的笔墨去描绘丰富的内容。          中国画基本技法，中国画的绘画与诗文、书法、篆刻四者有机地结合在一起，相互补充，交相辉映，形成了中国画独特的内容美和形式美。传统国画讲究诗、书、画、印的结合，充分体现出中国画深深扎根于民族传统文化的丰厚土壤中。现存的许多传统国画都有题画诗或款书，将画意、诗情、书法融为一体。题画诗常是画家本人或其他人所题之诗，大多出现在画幅的边角空白处，其内容或指明画意、或增加画趣、或抒发观感、或品论画艺，真是诗中有画、画中有诗，具有独特的艺术魅力。国画中的款书，一般包括作画的时间、地点和画家的姓名、字号，以及标题、诗文、印章等，形成中国传统绘画特有的民族形式。尤其是文人画兴起后，一些著名的画家往往又是诗人和书法家，更是将诗、书、画、印的结合推向完美的艺术境界。

可以从这几个方面来看，    形体：西方绘画是用点，线，面等；也用形体和明暗，色彩结合的方式刻画，（比如油画）   而中国绘画的形体，是讲求以线造型，（如工笔）写意画也讲求以线造型，但更强调笔墨感．    明暗：西方绘画强调光影感，但中国绘画几乎不表现光，只表现物体本身的阴阳向背．    色彩：西方绘画注重固有色与环境色结合的方式，（可参照水粉作品看看）．中国绘画工笔作品抛弃对光源和环境的影响，只表现对物体本身的色彩．写意作品则追求”色不盖墨，墨不盖色”的法则．    空间：西方绘画对空间的刻画是用焦点*，成角*，空气*等等．中国绘画则用散点构图和意象空间．散点构图是没有定点，而是可以多视点*．（如千里江山图），意象空间就是留白的方式（如齐白石的虾，就从不画水）    材质和肌理：西方绘画则用笔触来表达作品的质感和肌理效果．中国绘画则利用毛笔皴擦点染功能和生宣纸渗透性强的特点来表现． 看楼主家是什么装修风格的，如果是中式风格，当然中国画更融合一点，如果是现代风格，西方画选择更佳。

主要是看房间整体风格属于哪种假如是中国风的话，客厅可以挂中国画，就是水墨画或者工笔画，刺绣也可以。假如是欧美风的话，可以挂油画，抽象画或者风景画，以及波普风格的画。